Os fazedores

Os fazedores regressam

2012-03-08T07:46:00.000-08:00

Abrindo oano com a apresentação do filme de Tom DiCillo sobre a vida de JimMorrison, Os fazedores regressam em 2012 com uma programaçãoconsagrada à dança contemporânea, à palavra poética e à próprialinguagem cinematográfica na sua vocação documental.

Dando continuidade à uma aposta pela divulgação da dança contemporânea,o primeiro momento da programação de 2012 estará dedicado à memória de Pina Bausch. A três anos da sua morte, os filmes de Win Wender e de Anne Linsel & Rainer Hoffmann revisitam essa memória de forma singular, trazendo para nós a vida que ainda vive a obra de Pina Bausch na dança contemporânea (uma nova vida,necessariamente), sem recair na tentação da homenagem póstuma ou da celebração ritual.

O pequeno filme de Pedro Cezar sobre Manoel de Barros, a aclamada obra de Miguel Gonçalves Mendes sobre José Saramago (e Pilar del Rio), e a aproximação à poesia da música popular brasileira praticada por Helena Solberg darão consistência ao segundo momento do ciclo, dando (falso) testemunho da palavra pela imagem, transpondo a linguagem literária para o dispositivo cinematográfico, e levando até o limite a própria lógica documental, produzindo ficções de ficções, num jogo que não deixa nunca de produzir efeitos de verdade.

Trespassando abertamente o gênero documental, o terceiro momento da programação pretende apresentar um gênero com ares de família: o biopic. Inscrevendo-se explicitamente no domínio da ficção cinematográfica, o biopic suspende todo o possível pacto biográfico, mas ao mesmo tempo dá conta de uma potência de evocação que, se trai por vezes a ordem dos fatos, é fiel às apostas da interpretação enquanto abertura de novos horizontes de leitura. A intensa reconstituição da recepção do poema de Allen Ginsberg por Rob Epstein & Jeffrey Friedman, a adaptação da atribulada vida de Serge Gainsbourg por Joann Sfar, e a comédia de serie B que Tim Burton dedicou à bizarra figura de Ed Wood (o pior diretor de todos os tempos), tentam por em cena de diversos modos o indocumentável de uma vida.

Aprogramação de 2012 fecha com uma amostra das possibilidades docinema documental. O seminal filme de Dziga Vertov, que dá contaduma das suas formas primigênias (e, em grande medida, inexplorada),Os respigadores e a respigadora, de Agnès Varda, que explora com umafragilidade comovedora a via do documentário de autor, e aoscarizada reconstituição de James Marsh sobre a travessia doequilibrista Philippe Petit sobre as torres gêmeas do World TradeCenter, que mima a lógica do filme de suspense, não pretendem seruma antologia do gênero, mas – pelo contrário – um convite arefletir sobre uma prática artística que espelha melhor quequalquer outra o apagamento das fronteiras entre gêneros e asdistinções entre modos de fazer que, segundo Jacques Rancière,define o regime que determina atualmente a forma em que praticamos,vemos e pensamos a arte.

Programação

Asportas da percepção: Abertura de «Os fazedores 2012»

Tom DiCillo, When you're strange: Um Filme Sobre The Doors (86')

Dancemou estamos perdidos: Homenagem a Pina Bausch

Win Wenders, Pina (99')
Anne Linsel & Rainer Hoffmann, Sonhos de dança: Nos passos de Pina Bausch (89')

Falsotestemunho: Filmar a palavra

Pedro Cezar, Só dez por cento é mentira: A desbiografia oficial do poeta Manoel de Barros (81')
Miguel Gonçalves Mendes, José e Pilar (117')
Helena Solberg, Palavra (en)cantada (86')

Biggerthan life: Os artistas vão para Hollywood

Rob Epstein & Jeffrey Friedman, Uivo (84')
Joann Sfar, Gainsbourg: Vida heroica (130')
Tim Burton, Ed Wood (127')

Mentirasverdadeiras: O documental entre a realidade e a ficção

Dziga Vertov, O Homem da Câmera (68')
Agnès Varda, Os respigadores e a respigadora (82')
James Marsh, O equilibrista (94')

Modos de fazer / Modos de ver / Modos de pensar

2011-11-21T04:49:00.001-08:00

Em comemoração ao aniversário de inauguração do Centro de Educação, que aconteceu em 23 de maio desse ano, a UFRN está realizando todo o dia 23 de cada mês, o 1º Ciclo Cinema, Pensamento e Educação, sob a coordenação dos professores doutores Alexander de Freitas e Karyne Dias Coutinho, ambos do Centro de Educação.
No dia 23 de Novembro (19 hs.), será exibido o filme “Modos de ver” (John Berger, BBC, 1972). O filme será apresentado por Eduardo Pellejero, e será seguido de um debate. Tema: Modos de ver / modos de pensar: a arte como linguagem

Filme: “Modos de ver” (John Berger, BBC, 1972)
Convidado: Prof. Dr. Eduardo Pellejero (CCHLA – UFRN)
Horário: 19h30 às 22h
Local: Auditório do NEPSA – CCSA – UFRN

Política da fabulação

2011-11-16T07:37:00.001-08:00

Fechando o ano de 2011, «Os fazedores» apresenta o filme de Margarida Cardoso, «Kuxa Kanema: O nascimento do cinema», que procura restituir o essencial dum projeto que involucrou cineastas como Rui Rio e Jean-Luc Godard na tentativa de (re)fundar Moçambique através da imagem cinematográfica. Caso emblemático de uma verdadeira política da expressão, que ilustra de forma única a nova relação entre a arte e o povo que Gilles Deleuze atribuía ao cinema moderno (a arte como fabulação de um povo que falta), e que nas suas alternativas concretas levanta toda uma serie de interrogantes sobre a efetividade do conceito.

Kuxa Kanema: O Nascimento do Cinema(2003)

de Margarida Cardoso

52 min

Toledo

Sexta-feira 18 de Novembro

9:00 e 20:30 hs.

Unioeste

Natal

Terça-feira 29 de Novembro

18:00 hs.

UFRN - CCHLA - Sala a confirmar

Campinas

Data e local a confirmar

Amanhã Orson Welles visita Toledo

2011-09-26T06:21:00.000-07:00

F de Fraude (85´)
de Orson Welles

Toledo
Terça-feira 27 de Novembro, 20:45 hs.
Mini-auditório Campus Toledo
Unioeste

«Os fazedores» e «Cine tá valendo» apresentam «Luz, Câmara, Pichação»

2011-09-23T14:25:00.000-07:00

No dia 20 de Outubro, «Os fazedores» e «Cine tá valendo» apresentam «Luz, Câmara, Pichação», o filme de Gustavo Coelho que explora uma das mais singulares formas de arte de rua no Rio de Janeiro. A exibição, que terá lugar às 18 hs., será seguida de um debate que contará com a presença do realizador.

Luz, Câmara, Pichação (de Gustavo Coelho)
5 de Outubro, 18 hs.
Departamento de Artes - UFRN

Mais info: www.luzcamerapichacao.com.br

A verdade, toda a verdade e nada mais do que a verdade

2011-09-16T13:16:00.000-07:00

No contexto do ciclo "O original, a cópia, a cópia da cópia", Os Fazedores apresenta o mais estranho dos filmes de Orson Welles.
Numa ilha (Ibiza) alguém (“um charlatão”) promete-nos a verdade (mesmo quando se trata de “um filme sobre enganos, fraudes e mentiras» e «quase todas as histórias contêmalgum tipo de mentira”), a verdade, toda a verdade e nada mais que a verdade durante uma hora (o tempo que demora a exposição da sua crítica radical? o tempo que nos levará a descobri-la como uma máscara da ficção?).
Só que a promessa é feita do outro lado do espelho, num espaço e num tempo rarefeitos por passos de magia e letreiros que convidam a desconfiar da falsidade dessa promessa (“fake fake fake fake fake”). Em seguida assistimos à história de um plagiário que plagia um plagiário que plagia com ele (Clifford Irving, autor de Fraude, livro sobre um falsificador, escrito por um falsificador, autor de uma falsificação para acabar com todas as falsificações).
O objecto desse jogo já não é desmascarar os pretendentes, mas plagiar o plágio (“Fake fakes?”), e terminando com plagiários e especialistas, modelos e cópias (“The important distintion to make is when you are talking about the genuine quality of a paiting is not so much wether is a real paiting or a fake, is wether is a good fake or a bad fake”), não deixar de pé outra coisa que a potência plástica de um artista filho da sua própria criação (Clifford Irving por Elmyr de Hory, Kodar por Picasso, e Picasso por Kodar, e inclusive Picasso por Picasso, porque não).
Ficção sobre a verdade da ficção, logo, de uma ficção capaz de postular a realidade, de engendrar a verdade, de intensificar a vida (mas isto não é simbólico de nada: “não é esse tipo de filme”).
Pensamento (ficção) que se produz no limite do nosso próprio saber, como dizia Deleuze, nessa distância que separa o nosso saber da nossa ignorância, nessa distância na qual se aloja toda a vontade de potência, todo o desejo de mudança, todo o impulso revolucionário.

F de Fraude (85´)
de Orson Welles

Natal
Quinta-feira 22 de Setembro, 17 e 19 hs.
Auditório B - CCHLA - UFRN

Toledo
Data a confirmar

Campinas
Data a confirmar

«Os Fazedores» no Casarão

2011-09-06T10:25:00.000-07:00

«Os Fazedores» voltam a Campinas no contexto da inauguração simbólica da sala de apresentações do Centro Cultural Casarão do Barão e sua gestãocoletiva, no dia 18 de Setembro.

17:00 às 18:00
Cortejo artístico pelas ruas da Vila Holândia e Terras do Barão com a presença dos grupos participantes do Coletivo Casarão e convidados.

18:00 às 19:00
Lançamento no Casarão do ciclo de documentários "Os Fazedores” (Unicamp/UFRN/Unioeste)

19:00 às 21:00
2º Show Arreuní: Déa Trancoso, Carol Ladeira, João Arruda e Marcelo Falleiros

*ingressos no chapéu*

Quem #$&% é Jackson Pollock?

2011-08-22T10:43:00.000-07:00

No contexto do ciclo temático «O original, a cópia, a cópia da cópia», «Os fazedores» apresenta um filme de Harry Moses dedicado às peripécias de Teri Horton, uma caminhoneira aposentada de 73 anos que, sem outro critério que o seu gosto, adquiriu numa venda de garagem (por apenas 5 dólares) uma pintura que poderia chegar a pertencer a Jackson Pollock (e valer, portanto, milhões de dólares). Moses nos propõe uma aproximação crítica ao mundo da arte, colocando em questão a muito particular partilha do sensível sobre a qual se encontra fundado, problematizando os lugares assinalados e as competências atribuídas, a partir duma deslocação do olhar produzida por uma experiência estética singular.

Who the #$&% Is Jackson Pollock? (2006)
Direção: Harry Moses
74 minutos

Toledo
Terça-feira 22 de Agosto, 9:40 e 21:10 hs.
Mini auditório
Unioeste

Natal
Quinta-feira 1 de Setembro, 17 e 19 hs.
Auditório A
CCHLA – UFRN

Campinas
Data a indicar

Lie to me: A imagem não mente? - O cinema de Banksy segundo Weynna Barbosa

2011-08-13T06:40:00.000-07:00

Exit Through the Gift Shop se apresenta na categoria documentário, no qual tudo parece muito real em princípio, salvo boatos da mistura entre ficção e realidade, nunca esclarecida pelo diretor. O fato é que o roteiro se articula tão bem que não definimos a fronteira entre real e ficcional e é nessa atimosfera que encaramos o filme.
Com bom ritmo e boas tomadas de câmera na mão, promete um passeio pela a arte de rua, o processo criativo dos artistas [grafiteiros], os riscos e o prazer em transgredir. Mostra o prezado anonimato da arte de rua e seu aqui e agora, o que acontece durante a noite na produção dessas imagens para que elas se apresentem a nós na luz do dia. Isso e muito mais sobre esse mundo desconhecido se apresenta através da visão do francês Thierry Guetta e sua obsessão por filmar.
A partir da neurose por registrar sua vida em detalhes, começa a filmar artistas de rua em suas rotinas por um melhor espaço nas paredes das grandes metrópoles.
Em sua obsessão Guetta conhece muitos artistas importantes dessa arte, Banksy é sua nome mais famoso, com sua arte conceitual e seu trabalho valorizado entre os apreciadores de arte. Banksy introduz involuntariamente a Thierry em seu trabalho, quem parece fascinado com o glamour de ser um artista reconhecido, uma face da arte que Banksy não aprecia. Com uma sugestão infame, desafia-o a enfrentar o mundo que tanto admira. Thierry ultrapassa os limites entre adorador de arte e artista.
Alguns acreditam que essa história do lunático Thierry Guetta não passa de uma piada de muito bom gosto do Banksy, em crítica à arte contemporânea.
Quando virem o filme acredito eu, que vão meio que desconsiderar a hipótese de que grande parte daquela história possa ser apenas produto de ficção, mais uma peça pregada pelo Banksy cineasta.
A proposta subversiva que ele aborda parece o mais importante nessa sacada cinematográfica. Banksy quer que percebamos o quanto ignoramos as coisas ao nosso redor, o quanto é pobre a idéia do valor da obra de arte no contexto comercial, qual é a real proposta da arte de rua e onde se estabelece a fronteira entre a arte e o artista e os problemas estéticos a cerca do que realmente são artes hoje, seus objetivos políticos e sociais.
O “personagem”, Thierry Guetta, claramente perturbado, deixa bem explicito seu conceito de arte como objeto político de controle, como mesmo diz uma “lavagem cerebral” e se mostra como a mais vivo produto (vítima) desse fenômeno que ele aponta.
O filme é incrivelmente sedutor, fotografia segura e objetiva, e nos prende pela loucura que é viver o mundo das artes e seus processoExit Through the Gift Shop se apresenta na categoria documentário, a pesar dos boatos sobre a mistura entre ficção e realidade que permeiam o filme, até hoje nunca esclarecidos pelo diretor Banksy. O fato é que o roteiro se articula tão bem que não definimos a fronteira entre real e ficcional.
Com bom ritmo e boas tomadas de câmera na mão, promete um passeio pela a arte de rua, o processo criativo dos artistas [grafiteiros], os riscos e o prazer em transgredir. Mostra o prezado anonimato da arte de rua e seu aqui e agora, o que acontece durante a noite na produção dessas imagens para que elas se apresentem a nós na luz do dia. Isso e muito mais sobre esse mundo desconhecido se apresenta através da visão do francês Thierry Guetta e sua obsessão por filmar.
A partir da neurose por registrar sua vida em detalhes, começa a filmar artistas de rua em suas rotinas por um melhor espaço nas paredes das grandes metrópoles.
Em sua obsessão Guetta conhece muitos artistas importantes dessa arte, Banksy é sua nome mais famoso, com sua arte conceitual e seu trabalho valorizado entre os apreciadores de arte. O grafiteiro apresenta várias faces do seu trabalho artístico, Guetta fascina-se pelo glamour de ser um artista reconhecido, justamente a face da arte que Banksy não aprecia. Com uma sugestão infame, Banksy desafia Guetta a enfrentar o mundo que tanto admira nessa empreitada ele ultrapassa os limites entre adorador de arte e artista.
Alguns acreditam que essa história do lunático Thierry Guetta não passa de uma piada de muito bom gosto do Banksy, em crítica a arte contemporânea. Podemos desconsiderar a hipótese de que grande parte daquela história possa ser apenas produto de ficção, mais uma peça pregada pelo Banksy cineasta, o que torna tudo mais interessante.

* Weynna Barbosa é estudante de graduação da licenciatura em filosofia da Universidade Federal de Rio Grande do Norte (Natal, RN) e animadora do blog «Fases» (http://faseafase.blogspot.com).

Banksy: Eu sou um outro

2011-08-07T06:37:00.000-07:00

Na próxima quinta-feira 11 de Agosto, «Os fazedores» exibe o filme de Banksy, o artista de rua inglês, «Saída pela tenda de presentes» (2010).

Saída pela tenda de presentes (87')
11 de Agosto, 17 e 19 hs.
Auditório D - 2º Andar - CCHLA
UFRN (Natal)

A arte volta à rua

2011-07-26T07:14:00.000-07:00

Depois do recesso, «Os Fazedores» voltam com o filme que Banksy (o artista de rua mais importante dos últimos anos) produziu em 2010. Exit Through the Gift Shop (Saída pela tenda de presentes) explora a história do graffiti através de uma complexa construção ficcional que tem como personagem principal um francês (Thierry Ghetta) obsessionado por filmar tudo o que acontece em torno de si. Progressivamente vemos Ghetta adentrar-se no mundo do Graffiti, com a escusa de um filme que nunca será, até dar com o próprio Banksy (santo graal desse mundo marginal). Mas é o próprio Banksy, a partir da metade do filme, quem toma a câmara para propor-nos uma crítica corrosiva do mundo da arte contemporânea. A meio caminho entre a afirmação programática e a reserva crítica, Exit Through the Gift Shop nos oferece uma rara amostra dos caminhos encontrados da arte contemporânea.

Toledo
Sexta-feira 29 de Julho, 9:30 e 20:45 hs.
Unioeste, Campus Toledo

Natal
Quinta-feira 11 de Agosto, 17:00 e 19:00 hs.
Auditório D (CCHLA)
UFRN

Campinas
Data e horário a confirmar

E um faro (por Caro Pellejero)

2011-06-16T06:28:00.000-07:00

Há uma coisa que abre o filme de Agnès Varda. Diz qualquer coisa como que se cada pessoa pudesse abrir-se, deviam estar nela todas as paisagens: 'as paisagens da sua vida'. Também diz que se abrissem ela, estaria o mar.
Não sei se o diz ou se o imaginei. Não sei se era o mar, ou a praia. A praia é muito mais do que o mar, porque é o habitat do mar. Mesmo do maior dos mares. No fim de contas, as lembranças são as coisas que passaram, mais do que as coisas que acreditamos que passaram, mais do que aquilo que lembramos de tudo isso.
Se me abrissem a mim, não sei não. Haveria areia. Haveria água. Mas isso não é uma paisagem. Eu não tenho paisagem. Haveria elementos. Dispersos, espalhados, fragmentos de elementos de fragmentos de paisagens. Seguramente não haveria apenas estepe. Nem capim salgado, nem gramíneas. Seguramente haveria água, mas não de rio, nem de mar. Água de canal. Girinos bebés. Aloé, hortelã-pimenta. Quiçá maçãs, bocadinhos de chácara e aquela vez que aprendi a distinguir uma maçã granny de uma goldem, que não é o mesmo. Maçãs de natal. Um pouco de praia, mas sem areia. Um estuário cheio de barro e caranguejos. E um faro.

Carolina Pellejero é argentina. Artista, escritora e produtora cultural, reside na mítica cidade de Mayor Buratovich e anima o blog «tan breve» (http://breveviaje.blogspot.com/).

As praias de Agnès em terras mediterráneas

2011-06-16T06:02:00.000-07:00

Amanhã, no Campus Toledo da Unioeste, «Os Fazedores» apresenta «As praias de Agnès», de Agnès Varda, às 19:30 hs.

As praias de Agnès
17 de Junho, 19h30 hs.
Unioeste - Campus Toledo

Parte do mar

2011-06-06T06:46:00.000-07:00

No contexto da XIX Semana de humanidades, «Os fazedores» apresenta o «auto-documentário» de Agnès Varda, «As praias de Agnès» (2008). Precursora da Nouvelle Vague,Varda revisita a sua vida através das vidas dos outros, num raro exercício cinematográfico que descobre uma série de paisagens (praias) detrás da pessoa. Contaminando a narração documental de ficção autobiográfica, «As praias de Agnès» coloca em cena mais uma vez a respigadora que, mesmo falando de si, é os outros que pretende filmar (amigos, colegas, actores, pintores, padeiros). Jogo cinematográfico que Varda joga com uma vitalidade espantosa aos 80 anos, e que deita uma luz rica sobre a sua extensa obra autoral.

Natal
UFRN - Setor II - Sala I 22
Quarta-feira 8 de Junho, 16:00 hs.

Toledo
Data e horário a confirmar

Campinas
Data e horário a confirmar

E nesta esquina...

2011-05-08T13:11:00.000-07:00

Cravan vs. Cravan
de Isaki Lacuesta

Natal
Quarta-feira 11 de Maio
16:00 e 19:00
Auditório B (CCHLA)
UFRN

Toledo
Quinta-feira 19 de Maio
07h30 e 19h30
Auditório
Unioeste

Campinas
Data a anunciar

Ecos de Van Gogh

2011-05-08T13:03:00.000-07:00

Escuto coisas
Vejo algo
O trigo
O corvo como alvo

Ideias conturbadas
Pinceladas sincronizadas
Ao ferir-me
Sinto que sou humano
Peço apenas
Que ao verem
Não tenha sido somente
Tinta sobre pano

*Everaldo Cesar Adorno Carvalho (Estudante Filosofia UNIOESTE, 2ª série)

A harmonia que foca
A sintonia que toca
No desejo que expressa
Na emoção que o afeta

A loucura que se retrata
Nos traços que destaca
Dos desejos que o inspira
Na vontade que aspira

Em um ente que almeja
A plenitude da natureza
Dos traços que o liberta
Cada sentimento que o expressa.

*Silvio Rodrigues (Estudante Filosofia UNIOESTE, 2ª série)

Os punhos da poesia

2011-05-06T03:03:00.000-07:00

Fechando o ciclo dedicado às relações da arte com a loucura, «Os fazedores» apresentam na próxima sessão, um filme dedicado ao brilho fugaz de Arthur Cravan (poeta e boxeador), que desloca subtilmente o foco da loucura para a lenda. O docu-drama de Isaki Lacuesta coloca em cena outro artista e boxeador, Frank Nicotra, numa enlouquecida pesquisa detrás dos enlouquecidos passos de Cravan, de Londres a Barcelona (onde desafiou o campeão do mundo dos pesos pesados: Jack Johnson!), e de Barcelona a México (onde perde o seu rastro, depois de que Cravan se embarcara rumo aos Estados Unidos numa jangada rudimentar). Apagando os limites entre realidade e ficção, Cravan vs. Cravan resgata do esquecimento a lenda do dadaísta mais elusivo da história.

Natal
Quarta 11 de Maio
16:00 e 19:00 hs
Auditório B (CCHLA)
UFRN

Campinas
Data a anunciar

Toledo
Data a anunciar

O homem que viu o diabo

2011-04-27T05:21:00.000-07:00

Dando continuidade ao ciclo de filmes dedicados a pensar as relações da arte com a loucura, «Os fazedores» apresenta na próxima sessão o testemunho visceral de Jeff Feuerzeig sobre a vida de Daniel Dale Johnston (poeta, cantor, músico, compositor, pintor, desenhista), a quem fora diagnosticado um transtorno bipolar na sua adolescência.
Apoiado sobre uma enorme quantidade de material documental (em vista de que Johnston guardava registro de praticamente tudo o que fazia), Feuerzeig acompanha a progressiva degradação mental de Johnston desde a sua infância de menino prodígio até a sua ambivalente vida atual, sem lamentações nem imposturas, mas também sem esperanças de redenção.
O Diabo e Daniel Johnston nos confronta com a fragilidade de uma vida difícil, a cuja diferença encontramos associada a singularidade de uma produção artística ímpar, que nos intriga e que, de alguma forma, nos assusta.

Natal
Quarta-feira 4 de Maio
16:00 e 19:00 hs
Auditório C (CCHLA)
Campus Universitário (UFRN)

A orelha de Van Gogh

2011-04-06T12:33:00.000-07:00

Dando início ao ciclo de filmes dedicados a pensar as relações da arte com a loucura, «Os fazedores» apresenta na próxima sessão o sexto dos oito documentários que conformam a série que Simon Schaman consagrara ao poder da arte em 2006 – «Van Gogh: Campo de trigo com corvos».
Schaman é um historiador controverso, que tende muitas vezes à simplificação de questões complexas, mas também é um narrador histriônico e apaixonado. Na sua aproximação à obra e vida de Van Gogh, nos oferece um pintor em total posse das suas capacidades artísticas, tentando colocar em causa a lenda segundo a qual a sua obra seria o produto da loucura.
Produzido pela BBC, o filme propõe um contraponto dramático na encenação de algumas cartas de Van Gogh (numa atuação intensa de Andy Serkis), onde o discurso crítico cala para dar a palavra a um homem «que gostaria de mostrar com seu trabalho o que um nada, o que um ninguém tem no seu coração».

Simon Schaman, Van Gogh: Campo de trigo com corvos (60')

Natal
Quarta-feira 13 de Abril
16:00 e 19:00 hs
Auditório B (CCHLA)
Campus Universitário (UFRN)

Campinas
Terça-feira 19 de abril (tarde e noite)
Auditório do IEL (Unicamp)

Toledo
Terça-feira, 3 de Maio
16h e 19h30
Mini-auditório (Unioeste – Campus Toledo)

Ensaiando o verso (por Sheyla Smanioto Macedo)

2011-04-03T12:28:00.000-07:00

.
Cena 1: a palavra tenta dançar

Et un, deux -
"A Dança" não é

trois et quatre-
a realidade nua do balé

Et un, deux...
A Dança é

plus fort!
um filme contorcendo-se.

et trois
lenta

et un
mente

et deux
realidade vestida de lento

et trois e quatre! Pas bien!
A Dança não é

Voilà! Un, deux –
realidade

et trois
ou dança

et um et deux et trois
é cada passo é cada falso

et deux et trois
é cada passo cada acaso

et quatre
ao seu lento. em ruína.

Cena 2: consegue não

* Sheyla Smanioto Macedo, aluna de Estudos Literários (Unicamp). Participa do projeto “Escritas, imagens e ciências em ritmos de fabul-ação: o que pode a divulg-ação científica?” (MCT/CNPq Nº 14/2009) e dos grupos de estudos “multiTÃO: prolifer-artes sub-vertendo ciências e educações” (Unicamp-CNPq) e “Grupo de Estudos Blanchotianos e de Pensamento do Fora” (UnB-CNPq).

Dos camarins à dança (por Weynna Barbosa)

2011-04-03T09:38:00.000-07:00

«A Dança» é mais que mais um documentário de Wiseman ou um filme sobre balé. É um espetáculo de dentro para fora. Da realidade nua e crua da criação para o palco. Como tudo acontece no Le Ballet de L’Opera de Paris.

O filme pretende nos prender com tomadas longas e estáticas de bastidores, ensaios coreografados e apego à detalhes cheios de significados, pondo-nos como testemunhas do nascimento de um recital de balé, onde os rangidos dos pés no tablado de madeira ditam ritmos e nos intimam.
Alegorias a parte, o diretor nos convida a dividir com ele esse segredo. O que nos reservam os camarins da Ópera de Paris? Como os bailarinos conseguem com tanta naturalidade, movimentos e sincronia tão perfeitos? Que profissionais são necessários e qual a importância deles no processo?
Desde os apliques no colante da bailarina à iluminação do palco, vemos no filme toda a homogeneidade da obra em peças separadas de um quebra-cabeça. Todas as repetições exaustivas e hipnotizantes convergindo à perfeição.
Faz parte do papel de um bailarino incorporar o personagem. Como diz um dos coreógrafos: “o bailarino é ao mesmo tempo o cavalo de corrida e o seu jockey”. Além de incessantes e imperceptíveis correções é necessário estudar expressões cênicas e desenvolver idéias. Cada movimento conta um pedaço da história e tem seu propósito.
Enxerga-se o paradoxo dessa carreira. Da busca pelo reconhecimento à luta contra a crueldade do tempo. Enquanto isso, os diretores da escola junto aos coreógrafos estudam como serão as apresentações. Decide-se quem dança e quem não dança. E ainda há todos os aspectos técnicos e burocráticos. Há toda uma hierarquia a ser seguida. O dinheiro circula.
O filme surpreende ao revelar beleza no mais frio e calculista dos movimentos, como bailarinas extremamente altas, magricelas e desajeitadas condicionam seus corpos por meio de repetição, tornando os movimentos leves, delicados e sublimes.
Claro que o Balé da Ópera de Paris não é feito só de dança. É a expressão corporal dos bailarinos a voz que canta na ópera. A trilha sonora produzida por uma orquestra dá intensidade aos movimentos. Assim como também toda a iluminação nos dá o contorno dos corpos em movimento. Os figurinos têm cores e formas específicas a cada coreografia e são feitos a mão minunciosamente. A mistura de todos esses elementos é servida no palco.
Vemos como as coreografias evoluem. Os resultados pagam toda a morosidade dos ensaios e das cenas da costureira pregando missangas na saia de dezenas de figurinos. Alguns fragmentos de espetáculos, como “A Casa de Bernarda Alba”, de Mats Ek, e “Orfeu e Eurídice”, de Pina Bausch no fim dão o ar de sua graça.
Incrível como quando conhecemos a receita começamos a sentir cada tempero individualmente e o prato parece especialmente mais saboroso. Coma com os olhos!
Bonne appetit!

* Weynna Barbosa é estudante de graduação da licenciatura em filosofia da Universidade Federal de Rio Grande do Norte (Natal, RN) e animadora do blog «Fases» (http://faseafase.blogspot.com).

«A dança», de Frederick Wiseman, abre a programação de 2011

2011-03-16T05:25:00.000-07:00

Os Fazedores – ciclo de documentários dedicado às poéticas contemporâneas – volta em 2011 mais bem acompanhado do que nunca, numa parceria com o Grupo de pesquisa multiTÃO: prolifer-artes sub-vertendo ciências e educações (CNPq), o Programa Interdisciplinar e Interinstitucional Mestrado em Divulgação Científica e Cultural (Labjor/IEL/Unicamp), o Curso de Filosofia da Universidade Estadual do Oeste do Paraná (Unioeste) e Carta Potiguar.

Os documentários programados para este ano serão exibidos simultaneamente em Natal (RN), Campinas (SP) e Toledo (PR). O ciclo ganha assim, não só uma maior divulgação, mas um princípio de pluralismo na programação, cuja primeira manifestação visível será a incorporação de um espaço dedicado às curta-metragens brasileiras (mas não só) que dão conta do que acontece nas artes sem maiores comentários (Documenta, a ter lugar em Outubro).

Depois dum primeiro ano dedicado aos procedimentos de criação, a contra-cultura e o cinema, em 2011 Os Fazedores quer trazer uma série de questões que a arte contemporânea levanta além do seu mero funcionamento estético. Nesse sentido, vamos propor como primeiro corte a oscilação da criação artística entre a lenda e a loucura.

Para começar, apresentaremos o sexto dos oito documentários que conformam o ciclo que Simon Schaman consagrara ao poder da arte em 2006: Van Gogh: Campo de trigo com corvos. Schaman é um historiador controverso, que tende muitas vezes à simplificação de questões complexas, mas também é um narrador histriónico e apaixonado. Na sua aproximação à obra e vida de Van Gogh, nos oferece um pintor em total posse das suas capacidades artísticas, tentando colocar em causa a lenda segundo a qual a sua obra seria o produto da loucura. Produzido pela BBC, o filme propõe um contraponto dramático na encenação de algumas cartas de Van Gogh (numa atuação intensa de Andy Serkis), onde o discurso crítico se cala para dar a palavra a um homem “que gostaria de mostrar com seu trabalho o que um nada, o que um ninguém tem no seu coração”.

O segundo dos filmes é o testemunho visceral de Jeff Feuerzeig sobre a vida de Daniel Dale Johnston (poeta, cantor, músico, compositor, pintor, desenhista), a quem fora diagnosticado um transtorno bipolar na sua adolescência. Apoiado sobre uma enorme quantidade de material documental (em vista de que Johnston guardava registro de praticamente tudo o que fazia), Feuerzeig acompanha a progressiva degradação mental de Johnston desde a sua infância de menino prodígio até a sua ambivalente vida atual, sem lamentações nem imposturas, mas também sem esperanças de redenção. O Diabo e Daniel Johnston nos confronta com a fragilidade de uma vida difícil, a cuja diferença encontramos associada a singularidade de uma produção artística ímpar, que nos intriga e que, de alguma forma, nos assusta.

Um terceiro filme, dedicado ao brilho fugaz de Arthur Cravan (poeta e boxeador), desloca subtilmente o foco da loucura para a lenda. O docu-drama de Isaki Lacuesta coloca em cena outro artista e boxeador, Frank Nicotra, numa enlouquecida pesquisa detrás dos enlouquecidos passos de Cravan, de Londres a Barcelona (onde desafiou o campeão do mundo dos pesos pesados: Jack Johnson!), e de Barcelona a México (onde perde o seu rastro, depois de que Cravan se embarcara rumo aos Estados Unidos numa jangada rudimentar). Apagando os limites entre realidade e ficção, Cravan vs. Cravan resgata do esquecimento a lenda do dadaísta mais elusivo da história.

O ciclo de 2011 terá continuidade com a exibição de dois filmes dedicados à rara prática do «auto-documentário» (Agnès Varda, As praias de Agnès; Banksy, Saída pela loja de presentes), a seguir com uma série de filmes dedicados a colocar em causa a lógica do original e da cópia (Harry Moses, Quem merda é Jakson Pollock?; Orson Welles, F de Fraude; Rogério Sganzerla, Nem tudo é verdade), e, para fechar, com o filme de Margarida Cardoso, Kuxa Kanema, que procura restituir o essencial dum projeto que involucrou cineastas como Rui Rio e Jean-Luc Godard na tentativa de (re)fundar Moçambique através da imagem cinematográfica.

Um lugar espacial terá, por fim, a programação proposta pelo Grupo de pesquisa multiTÃO e a gente do Labjor. Em duas sessões especiais, Documenta apresentará filmes e vídeos experimentais que permitem um divagar sobre a relação entre a produção audiovisual e o documento, tensionando as ideias de memória, identidade e história submetidas ao tempo cronológico. Operando no limite da biografia, Esta não é sua vida provoca a pensar em grafias coletivas e individuais ao mesmo tempo. A desbiografia Só dez por cento é mentira é convite a desencontrar com o poeta Manoel de Barros acostumado a desdobrar palavras em outras vidas e artes; inspirações e movimentos que fazem da invenção pela escrita a potência da vida, e do inútil a sua técnica. Potências que se expandem no vídeo dedicado ao Museu Travesti do Perú que propõe o travesti como subversão das imagens e textos que compõem a tradição museológica. Em Vera Cruz a artista Rosângela Rennó nos propõe pensar de que tecido se costura a história, em meio a ruínas do som e da imagem, sobras, restos em disputa com uma linearidade das falas que fazem do sentido o próprio non-sense. Já Aquário de Memórias é pura dança e movimento de imagens-memórias que se recusam à fixação e determinação do que passou, do que está por vir.

Exibiremos também Anémic Cinema de Duchamp e uma série de curtas reunidas no DVD Investigações, produzidos em 2000 como parte da exposição Investigações: o trabalho do artista. Vídeos que apresentam o trabalho de 7 artistas: Cildo Meirelles: Gramática do objeto; Nuno Ramos: Acidente geográfico; Iole de Freitas: Ar ativado; Eduardo Kac: Oito diálogos; Ernesto Neto: Nós pescando o tempo; Carlos Fadon Vicente; e Carmela Gross. Vídeos que não desejam apenas apresentar os trabalhos dos artistas, mas experimentar as potencialidades poéticas das narrativas audiovisuais de gerarem sensações sobre as obras desses artistas. Um convite a pensar nas passagens entre as obras e o trabalho dos artistas para a tela como espaços-tempos de reinvenção e proliferação de novas possibilidades.

A sessão de abertura de Os Fazedores está programada para o dia 23 de Março, às 16:00 (com reprise às 19:00), apresentando o penúltimo filme de Frederick Wiseman: A dança (de improvável estreia nos cinemas de Natal). Wiseman – um dos documentaristas mais carismáticos do século XX – filma o quotidiano duma companhia de bailado (Le Ballet de l’Opera de Paris), revelando o rigor, a disciplina e o sacrifício na procura da perfeição, mas também a pura exterioridade duma instituição coletiva. Depois do espantoso filme operístico de Darren Aronofsky, que remete a dança a uma experiência interior e limite, o olhar desapaixonado de Wiseman nos conduz a esse estranho lugar onde a dança reconhece o seu parentesco com a construção de catedrais.

Frederick Wiseman, A dança (152’)

Natal
Quarta, 23 de Março
16:00 e 19:00 hs
Auditório B (CCHLA)
Campus Universitário (UFRN)

Campinas
Terça, 22 de Março
14:00 às 17:00
Labjor (Unicamp)

Toledo
Quarta, 23 de Março
16h e 19h30
Mini-auditório (Unioeste – Campus Toledo)

Dar a palavra

2011-03-15T11:49:00.000-07:00

1º Certâmen de reportagens sobre artistas e agentes culturais residentes no Rio Grande do Norte

Traçar um mapa é como cavar uma touca: questão de sobrevivência, não de representação. Como uma touca, também não é uma tarefa individual, mas um fazer coletivo; tal indivíduo cava esse túnel que será utilizado por outros.
Os Fazedores e Carta Potiguar organizam o primeiro certâmen de reportagens sobre artistas e agentes culturais residentes no Rio Grande do Norte, no intuito de traçar um mapa da arte e da cultura do estado. Algo que nenhum censo pode registrar, porque não se trata de levantar informações, mas de tomar partido.
Quem trabalha com a arte no Rio Grande do Norte? Por quê? Para que? Para quem? «Dar a palavra» é uma iniciativa que – na acolhida ativa dos entusiastas e dos críticos, dos escritores e dos jornalistas, mas também dos próprios artistas ¬– pretende dar conta das inquietações e das experiências, dos impasses e dos movimentos que habitam e animam o nosso estado.
Longe da pretensão de totalizar um momento histórico, o que procuramos é afirmar uma série de diferenças: procedimentos de criação e de resistência, singularidades políticas e expressivas, becos sem saída e linhas de fuga. Numa época na qual desconfiamos das grandes narrativas, nada é mais importante do que essas pequenas histórias.
A reportagem – tal como definida por Foucault – tem uma potencia singular para encarar esse desafio, sobretudo quando do que se trata não é simplesmente descrever o que somos, mas esboçar o que estamos em processo de nos transformar, isto é, não apenas aquilo que a arte e a cultura são ou representam para nós, mas também aquilo que estão em vias de se converter. Que devires nos atravessam hoje?
Num estado onde o espaço público é sistematicamente depredado e a vida é confiscada por uma individualidade privada (de mundo), muitas vezes podemos ser tomados pelo sentimento de que vivemos um tempo em que não acontece nada, mas a verdade é que a terra treme.

Regulamento

Os interessados devem produzir uma reportagem escrita, em estilo livre, sobre um artista e/ou agente cultural que trabalhe atualmente em Rio Grande do Norte. Os participantes poderão apresentar apenas uma reportagem.
Os trabalhos serão avaliados por um júri de notáveis, cuja decisão será inapelável. A composição do júri, a lista das reportagens selecionadas e o vencedor do certâmen serão anunciados no dia 31 de Outubro de 2011. As reportagens selecionadas serão publicadas numa antologia.
Os trabalhos devem ser enviados até o dia 31 de Agosto de 2011 a: certamen2011@gmail.com, e devem ter uma extensão máxima de 5 laudas (A4, margens de 2,5 cm, Times New Roman 12, espaçamento de 1,5).
Os textos devem ser assinados com pseudônimo e enviados em um arquivo «.doc», podendo ser acompanhados de um máximo de até 3 fotografias, anexadas em arquivos separados tipo «.jpg».
Os dados pessoais (pseudônimo, nome completo, RN, telefone, e-mail) devem ser anexados em um arquivo separado «.doc».
As reportagens enviadas devem ser acompanhadas do arquivo de áudio com a gravação da/s entrevista/s associadas (em formato «.mp3», 128 kbps).
Todos os arquivos devem ser nomeados com o pseudónimo seguido dos números 1, 2 e 3 (para a reportagem, os dados pessoais e o arquivo de áudio respetivamente) e 4, 5 e 6 (para as fotografias).
Exemplo:
virgilio1.doc
virgilio2.doc
virgilio3.mp3
virgilio4.jpg
virgilio5.jpg
virgilio6.jpg
Os textos serão enviados ao júri identificados apenas pelo pseudônimo. A identidade real dos autores só será desvelada depois de serem selecionadas as reportagens vencedoras.
É responsabilidade dos participantes assegurar-se de que os trabalhos apresentados cumpram com todos os requisitos estipulados no presente regulamento. Caso contrário, a organização reserva-se o direito de excluí-los do concurso.
Qualquer situação relacionada com a interpretação do presente regulamento será dirimida pela organização do certâmen.

Os fazedores 2011 estão a chegar

2011-01-22T03:44:00.000-08:00

"Os fazedores daqueles «excrementos», sintomas de «grande depravação moral», eram anarquistas e loucos." (Jean-Léon Gérôme)

Nacido e criado

2010-12-01T03:49:00.000-08:00

John Dullaghan dedicou 7 anos às filmagens e entrevistas que compõem este retrato de um dos escritores norte-americanos mais controversos da história da literatura. Dullaghan segue Bukowski dirigindo o seu carro pela cidade, oferecendo leituras públicas em teatros de Los Ángeles, e inclusive discutindo na sala da sua casa com Linda Lee, a sua última mulher. Mas o resultado é uma rara exploração da impessoalidade da obra de um dos poetas mais idiossincráticos do século XX.

John Dullaghan, Bukowski: Born into this (114’)
Sexta-feira 10 de Dezembro, 15:00
Auditório B - CCHLA
UFRN

II multiTÃO imagens, palavras, sons e ventos

2010-11-19T05:40:00.000-08:00

http://www.labjor.unicamp.br/biotecnologias/calcadao.html

Hitchcock e a filosofia

2010-11-01T06:02:00.000-07:00

Na próxima segunda-feira 8 de Novembro, no contexto da XX Semana de Filosofia, terá lugar a exibição do filme de Slavoj Žižek sobre as relações do pensamento filosófico com o cinema: «O guia pervertido do cinema».

Slavoj Žižek
O guia pervertido do cinema (The Pervert's Guide to Cinema)
8 de Novembro de 2010 - 17:00 hs.
Auditório da Biblioteca Zila Mamede - UFRN

Filmes que mudaram o cinema

2010-10-26T05:28:00.001-07:00

Esta sexta-feira, 29 de Outubro, exibiremos o filme de Richard LaGravenese e Ted Demme, sobre o cinema norteamericano dos anos 70.

Richard LaGravenese & Ted Demme
Cinema Americano nos anos 70: Uma Década em Revolução (108’)

29 de Outubro de 2010 - 15:00 hs.
Auditório B - CCHLA - UFRN

XX Semana de filosofia - Programação

2010-10-14T11:24:00.000-07:00

A alegria da influência

2010-10-13T09:06:00.000-07:00

No próximo dia 29 de Outubro, exibiremos o filme de Richard LaGravenese e Ted Demme, sobre o cinema norteamericano dos anos 70. Década de inflexão para o cinema, atravessada pelos primeiros filmes de Robert Altman, Francis Ford Coppola, Peter Bogdanovich, Roger Corman, William Friedkin, Julie Christie, Dennis Hopper e Martin Scorsese (entre outros).

Richard LaGravenese & Ted Demme
Cinema Americano nos anos 70: Uma Década em Revolução (108’)
29 de Outubro de 2010 - 15:00 hs.
Auditório B - CCHLA - UFRN

Como orientar-se no pensamento?

2010-09-29T04:10:00.000-07:00

XX Semana da Filosofia

8-12 de Novembro

Chamado para apresentação de trabalhos

Data limite: 20 de Outubro de 2010.

GT I: A esquerda / A direita
Coordenação: Prof. Dr. Eduardo Pellejero (UFRN)
Aceitam-se propostas de comunicação para participar do GT «A esquerda / A direita», no contexto da XX Semana de Filosofia. Os trabalhos devem abordar – avaliando suas falacias ou justificando sua vigência – essa antinomia clássica, que se propõe ainda como diferencial para orientar-se no terreno da política (e não só), e que conhece uma história de definições, críticas e problematizações em pensamentos tão diversos como os de Kant, Hegel, Marx, Schmitt, Benjamin, Gramsci, Sartre, Merleau-Ponty, Foucault, Deleuze, Negri, etc.
Nº de vagas: 6
As inscrições serão realizadas pelo e-mail: edupellejero@gmail.com

GT II: Razão e Pensamento
Coordenação: Prof. Dr. Daniel Durante Pereira Alves – Profª. Drª. Maria da Paz Nunes de Medeiros
Propondo-se desenvolver um aspecto do tema geral desta XX Semana de Filosofia, intitulado "Como se Orientar no Pensamento", o grupo de trabalho "Razão e Pensamento" convida alunos e professores a apresentar comunicações que abordem o pensamento em conexão com seus aspecots racionais, sejam eles lógicos epistemológicos ou metafísicos. A proposta do GT é a de abrigar trabalhos de um amplo espectro, que se relacionem de alguma maneira com a razão e, através desta, com o pensamento.
Nº de vagas: 6
As inscrições serão realizadas pelo e-mail: durante@ufrnet.br

GT III: Hannah Arendt: Ação e Pensamento
Coordenação: Prof. Dr. Rodrigo Ribeiro Alves Neto (UFRN).
Professor convidado: Prof. Dr. Odílio Aguiar (UFC).
Proposta: O grupo de trabalho convida os interessados em refletir sobre duas questões fundamentais formuladas e investigadas na obra de Hannah Arendt, quais sejam: “o que fazemos quando estamos ativos?” e “o que fazemos quando pensamos?”. Trata-se, portanto, de discutir essa dupla preocupação que atravessa a obra da autora, a saber: reconsiderar a dignidade da ação no conjunto da vita activa e a capacidade de pensar no conjunto da vida espiritual, a fim de renovar as bases filosóficas sobre as quais a ação política esteve fundada e redefinir o pensamento para além das imagens filosóficas tradicionais pelas quais ele foi concebido, ora como instrumento do conhecimento, ora como substituto da ação. O grupo será realizado na terça-feira, dia 09/11/2010 (3ª feira), no Auditório da Filosofia (CCHLA), contando com a participação do Prof. Odílio Aguiar (UFC), com comunicações e uma sessão de debates.
Nº de vagas: 8
As inscrições serão realizadas pelo e-mail rodrigo.alvesneto@gmail.com

GT IV: Psique e Sociedade
Coordenação: Prof. Dr. Sérgio Dela-Sávia
O grupo acolhe trabalhos que abordem a questão do sujeito e de sua inserção no mundo, problematizando as relações entre psique e sociedade a fim de tentar elucidar as condições de possibilidade do exercício da autonomia humana (psíquica e social). O campo de interesse deste GT situa-se, particularmente, nas seguintes áreas das ciências humanas: filosofia, antropologia, psicologia social e psicanálise.
Nº de vagas: 8
As inscrições deverão ser enviadas para o e-mail: dela.savia@mac.com

GT V: Arte e Filosofia
Coordenação: Prof. Dr. Antônio Basílio de Meneses
Aceitam-se propostas que abordem a relação entre a arte e a filosofia, enquanto plano privilegiado para o desenvolvimento do pensamento conceitual. Os trabalhos devem considerar a relação arte/filosofia a partir de uma perspectiva crítica, estética ou metafísica, partindo da análise da questão em um autor, um artista ou uma obra.
Nº de vagas: 8
As inscrições deverão ser enviadas para o e-mail: gpfe@ufrnet.br

As propostas devem incluir: Nome, Instituição, Grau, Título, Resumo, Palavras-chave.

Havendo mais inscrições que vagas, será realizada, pelos coordenadores de cada GT, uma seleção de acordo com a adequação da comunicação ao tema do grupo, a sua relevância e o seu nível de análise.

Wim Wenders: Uma habitação com vista

2010-09-22T05:22:00.000-07:00

“Questionário sobre o futuro do cinema. Contexto. Os filmes se parecem cada vez mais com os seriados da televisão, pela iluminação, o enquadramento e a montagem. Parece que para muitos espetadores a estética da televisão substituiu a estética do cinema.”
Em 1982, num quarto de hotel, em Cannes, Jean-Luc Godard, Paul Morrissey, Mike De Leon, Monte Hellman, Romain Goupil, Susan Seidelman, Noël Simsolo, Rainer Werner Fassbinder, Werner Herzog, Robert Kramer, Ana Carolina, Maroun Bagdadi, Steven Spielberg, Michelangelo Antonioni e Yilmaz Güney procuram responder a essa questão (mais viva que nunca hoje, para nós) perante a câmara impessoal de Wim Wenders.

Chambre 666 (44’)
Wim Wenders (1982)
Sexta-feira 24 de Setembro de 2010.
Auditório B - CCHLA - UFRN
15:00 hs

Check-In: Quarto simples a nome do cinêma

2010-09-16T15:00:00.000-07:00

Na próxima sexta-feira, 24 de setembro, exibiremos o filme que Wim Wenders produziu em 1982, Chambre 666, e que conta com a participação de Jean-Luc Godard, Paul Morrissey, Mike De Leon, Monte Hellman, Romain Goupil, Susan Seidelman, Noël Simsolo, Rainer Werner Fassbinder, Werner Herzog, Robert Kramer, Ana Carolina, Maroun Bagdadi, Steven Spielberg, Michelangelo Antonioni e Yilmaz Güney.

Sexta-feira 24 de Setembro de 2010.
Auditório B - CCHLA - UFRN
15:00 hs

Judas: O Dylan de Scorsese

2010-09-16T14:56:00.000-07:00

Após produzir uma série de filmes sobre Blues, Martin Scorsese dirige um documentário sobre a vida e a trajetória artística de Bob Dylan (mito, compositor, roqueiro, rebelde), adentrando-se no mundo do folk e do rock’n’roll da época.
No Direction Home conta com diversos depoimentos gravados com várias pessoas que estiveram diretamente ligadas a Bob Dylan; entre elas amigos, pessoas ligadas a indústria fonográfica, seu tio, etc. Conta, também, com cenas de mais de dez horas de depoimentos cedidas pelo próprio Bob Dylan (coisa incomum, visto que o compositor é bastante reservado em relação a entrevistas).
Para desvendar com profundidade a trajetória deste ícone da música norte-americana, o diretor investiga desde origem do compositor, na cidade de Duluth, no interior do estado de Minessota, até o abandono da faculdade de artes da Universidade de Minessota e sua subsequente partida para Nova York, dando conta das suas influências neste período.
Particularmente interessante é a história do encontro de Dylan com o seu maior ídolo, o lendário cantor folk Woody Guthrie, cuja obra exerceu impactante influência em Bob Dylan.
O melhor de No Direction Home são as imagens gravadas de alguns shows realizados nas turnês de Bob Dylan. Citarei uma destas apresentações: o show realizado na cidade de Liverpool (Inglaterra) no dia 1º de Maio de 1966, durante o qual Bob Dylan é vaiado e inclusive chamado de «Judas» pelo público, pois na segunda metade do show apresenta um set onde impera o som da sua guitarra elétrica, coisa inconcebível para muitos amantes da música folk e dos fans do próprio Dylan que conheceram sua música em versões acústicas.
A montagem de documentário sobre a trajetória do roqueiro custou dez anos de produção, visto o perfeccionismo característico que Scorsese imprime aos seus trabalhos. O material utilizado pelo diretor é farto, e conta com fitas, fotografias, imagens do próprio arquivo pessoal do músico. O diretor, por outra parte, teve acesso ao documentário Don’t Look back, de D. A. Pennebaker, que foi baseado na turnê realizada na Inglaterra em 1967, assim como a filmagens de apresentações que Bob Dylan realizou no Festival Folk de Newport, entre os anos de 1963 e 1965.
Fugindo das generalidades dos dados técnicos, digamos que o documentário conseguiu captar bem – embora não fosse este o foco principal de No direction home – o espírito do mundo no qual Bob Dylan nasceu e viveu. Um mundo que passou por duas guerras de proporções globais, e que ainda se debatia em conflitos – Guerra do Vietnã, Guerra fria, etc. – que não deixavam cicatrizar as feridas do pós-guerra.

Diego Wendell da Silva
(Graduando em filosofia e bolsista de extensão da UFRN)

Poéticas/Políticas de Rua

2010-08-22T14:45:00.000-07:00

Retrato das ruas do New York dos anos oitenta, Style Wars recria a cena da cultura nascente do Hip Hop e do Graffiti, confrontando as imagens, os sons e os passos de dança desse movimento underground, às palavras da polícia e das autoridades da cidade de New York.
Produzido por Tony Silver e Henry Chalfant, Style Wars foi galardonado com o Grande Premio para Melhor Documentário no festival de cinema de Sundance de 1983.

Sexta-feira 27 de Agosto de 2010.
Auditório B - CCHLA - UFRN
15:00 hs

As paredes falam

2010-08-17T10:40:00.000-07:00

O próximo 27 de Agosto, 15:00, exibiremos o filme de Henry Chalfant e Tony Silver sobre os movimentos de arte de rua surgidos em New York na década de oitenta – Style Wars (69’). Fica aqui uma amostra.

As simpatias de Godard

2010-08-05T07:15:00.000-07:00

Na sexta feira 13 de Agosto, 15:00 hs., terá lugar a quinta sessão do ciclo de documentários dedicado às poéticas contemporâneas.
Exibiremos o filme de Jean-Luc Godard sobre os movimentos de contracultura em 1968, ao ritmo da gravação do single dos Rolling Stones «Sympathy for the devil».

Jean-Luc Godard, Simpathy for the devil (97’)
Auditório B
CCHLA - UFRN
Sexta 13 de Agosto
15:00 hs.

Por favor, deixe eu me apresentar

2010-07-25T08:31:00.000-07:00

No próximo 13 de Agosto apresentaremos o raro documentário de Jean-Luc Godard, Simpathy for the devil (1968). Fica aqui o trailer para que vão pegando o ritmo.

À terceira é de vez

2010-07-20T04:03:00.000-07:00

Longe já das paixões futebolísticas, vamos exibir finalmente o documentário de Martin Scorsese sobre Bob Dylan. Esta sexta-feira, dia 23, 15:00 hs.

Reprogramação

2010-07-02T11:51:00.001-07:00

Por demoras associadas à suspensão de atividades durante a copa do mundo, a exibição dos seguintes documentários foi reprogramada:

23 de Julho de 2010
Martin Scorsese, No Direction Home: Bob Dylan (212’)

13 de Agosto de 2010
Jean-Luc Godard, Simpathy for the devil (97’)

No Direction Home: Bob Dylan - Trailer (2005)

2010-06-30T11:05:00.000-07:00

4ª Sessão: Bob Dylan: No direction home

2010-06-18T15:38:00.000-07:00

Na sexta feira 2 de Julho, 15:00 hs., terá lugar a quarta sessão do ciclo de documentários dedicado às poéticas contemporâneas.
Exibiremos o documentário de Martin Scorsese sobre os primeiros anos da carreira de Bob Dylan e seu impacto na cultura norteamericana: No Direction Home: Bob Dylan (212’).

Auditório B
CCHLA - UFRN
Sexta 2 de Julho
15:00 hs.

O Abc de Gilles Deleuze

2010-06-04T12:44:00.000-07:00

Na próxima semana, entre o 7 e o 11 de Junho, exibiremos parte do Abecedário de Gilles Deleuze, no contexto da Semana de Humanidades 2010. Auditório B (CCHLA)

Segunda 11hs
B de Beber
M de Maladie [Doença]

Terça 11hs
R de Resistência
G de Gauche [Esquerda]

Quarta 11hs
C de Cultura
O de Ópera

Quarta 18hs
J de Joie [Alegria]

Quinta 11hs
H de História da Filosofia
Q de Questão

Quinta 18hs
L de Literatura

Sexta 11hs
D de Desejo
N de Neurologia

Arpad Szenes e a ênfase no processo criativo

2010-05-28T05:33:00.000-07:00

A ênfase no processo criativo d@ artista é, sem dúvida, uma herança do século XX. Arpad Szenes, por exemplo, lamentou certa ocasião o mal que Breton terá feito à pintura, embora reconhecesse que tal mal se suavizara com a abertura posteriormente demonstrada para com o abstracto. Breton terá feito mal à pintura na medida em que obstou, num determinado momento histórico, ao devir da própria pintura. Esse devir assentava, segundo Arpad Szenes, senão na abstracção, pelo menos na destruição do figurativo. Incrustada de tal forma que foi a teoria da imitação na tradição de imagem, não seria sem convulsão que se aceitaria a mudez da cor ou os gritos surdos da linha: implicam uma inversão axial e uma revolução corpórea. Se passarmos pelo "pintor da vida moderna", de Baudelaire, chegamos ao/à artista submersa numa espécie de estertor da memória, com a tónica na imaginação como pressuposto de criação. Os testemunhos pessoais são, assim, e como Wlter Wess sublinha, essenciais. Ou seja, a pintura interioriza-se, correlato de um refluxo disposicional exterior focado na perspectiva clássica, mas a necessidade de entendimento não se eclipsa. A um movimento convexo sucede um movimento côncavo, que visa recuperar o processo formador da obra de arte e de certa forma percorrê-lo (por isso se tornam interessantes os testemunhos pessoais). O que nem sempre é fácil. A liberdade desta pintura assenta na destruição do mundo visível, geralmente acrescida de uma imponderabilidade que pode tornar insustentável a leveza do ser: "o objecto torna-se inefável e a cor não existe, foge, recusa-se, toma como disfarce as águas, o céu, o próprio ar. Lutando por um lugar no seio da pintura oficialmente aceita, os próprios impressionistas não se davam conta da revolução que traziam consigo. No cubismo, o problema põe-se com outra gravidade, e nenhum elemento sensorial vem iludi-lo. Afastado, destruído, desaparecido, desacreditado o mundo visível, trata-se de o reconstruir - e pela primeira vez, em inteira franqueza, a sua reconstrução não se refere a ele próprio, mas à pintura. É em pintura e como pintura que o mundo vai existir. Chegou-se ao extremo limite da relação mundo-pintura" (José-Augusto França).

Cláudia Ferreira
(Graduada em História da Arte e pós-graduada em Estudos sobre as Mulheres)

O mistério da criação

2010-05-22T12:57:00.000-07:00

“O mistério de Picasso” não é mais um entre tantos outros documentários sobre arte, como muitos que encontramos dentro do universo cinematográfico. Clouzout, renomado diretor de filmes de suspense-policial, convenceu Pablo Picasso, o maior artista plástico do século XX, a gravar o processo criativo em trânsito quando Picasso se posiciona diante da tela fixada no cavalete, assim como um toureiro se posiciona diante do touro para realizar o seu oficio.

Fica claro que no decorrer da película que o personagem principal é o processo criativo da arte que se expressa através das figuras de Picasso e Clouzout, quando estes artistas executam, respectivamente, a pintura e o cinema. O local onde o Picasso pinta os quadros no filme, e Clouzout filma, não é o atelier no qual o pintor esta habitualmente acostumado a pintar, o seu estúdio particular, mas sim um espaço desenvolvido pelo diretor aonde Picasso pudesse inovar em suas criações no decorrer das 1h14 mim de filmagem.

O surgir das figuras desenhadas por Picasso é algo impressionante. A trama que tece a harmonia estrutural das imagens é tão misteriosa quanto perturbadora, deixando os espectadores indefesos e consternados com o que visualizam brotando lentamente nos quadros pintados, enquanto ouvem o fundo musical composto por Georges Aurenche, injustamente criticado, no excelente extra do DVD da versão portuguesa, por François Truffaut que também fez a mesma crítica ao diretor do filme na estréia do filme no festival de Cannes de 1956. Truffaut também comenta a fria recepção do público ao assistir o mistério de Picasso e seu insucesso no circuito aberto de cinema.

A filmagem de “O mistério de Picasso” foi realizada em certos momentos utilizando-se da técnica conhecida por “stop-motion”, um tipo de palimpsesto pictórico, nos momentos em que os quadros estão sendo exibido em toda tela de cinema. O filme parece se fundir com a tela no momento, em que a tela pintada toma toda dimensão da tela em que esta sendo exibido o filme, parecendo uma só coisa (ser), parendo estar os dois na mesma dimensão ontológica. Em certos momentos, Claude Renoir, o cinegrafista responsável pela filmagem da película em questão, filma partes de conversações entre o pintor e o diretor, Picasso e Clouzout. Conversas que mostram a dificuldade da tentativa de reproduzir num simples rolo de filme um pintor produzindo sua arte, pois o rolo tende a acabar com a marcha implacável dos segundos que seguem os ponteiros do relógio. A tela tem toda horizontalidade do tempo, contando ainda com muita tinta para ser usada, ao contrário do rolo de filme.

Creio que inconscientemente, ou talvez não, Clouzout fez o filme pairar num jogo de metalinguagem sem precedentes (ou pelo menos sem muitos precedentes). Isso ocorre nos momentos em que a pintura e o cinema, a sétima arte, se enterprenetaram, se entrecruzaram. Contra o que se poderia pensar devido a má tradução do título do filme no Brazil e nos EUA – o nome da versão original do filme é simplesmente “Le mystère Picasso”, que traduzido corretamente ficaria assim: “O mistério Picasso” (isto é, sem o genitivo) –, a personagem principal, o mistério do processo criativo, permanece ainda insolúvel no final do filme.

Para finalizar esta breve resenha, digamos que o filme é altamente recomendado para os amantes da pintura, cinéfilos e sobre tudo para aqueles que gostam de criatividade artística. Enfim, creio que o filme “O mistério de Picasso” deva ser mais visto que comentado; já que o filme é sobre o processo criativo deixemos que este nos mostre mais que qualquer livro ou documentário o que é o processo criativo se manifestando.

Diego Wendell da Silva
(Graduando em filosofia e bolsista de extensão da UFRN)

3ª Sessão - O mistério Picasso

2010-05-21T12:21:00.000-07:00

Na próxima sexta feira, 28 de Maio, ás 15:00 hs., terá lugar a terceira sessão do ciclo de documentários dedicado às poéticas contemporâneas.
Exibiremos «Le mystère Picasso», o filme de Henri-Georges Clouzot sobre o misterio da criação na pintura.

Auditório B
CCHLA - UFRN
Sexta 28 de Maio
15:00 hs.

Drawing restraint 9 - A criação como campo de forças

2010-04-20T03:51:00.000-07:00

Matthew Barney nasceu em São Francisco, Califórnia, em 1967; aos seis anos mudou-se para Idaho. Após o divorcio dos seus pais, Matthew optou pelo pai e continuou residindo na cidade de Idaho, jogou futebol americano ao longo do colegial, e visitava freqüentemente a sua mãe em Nova York, que o fez freqüentar exposições artísticas e museus.

Barney trabalhou como escultor e como produtor de filmes. Após ter se formado pela universidade de Yale. Matthew consolidou-se de vez no mundo artístico ao produzir Cremaster (1994). Cremaster é um ciclo de cinco filmes que foi apresentado em conjunto com uma amostra de esculturas, desenho e objetos, e obteve um grande respaldo da crítica de arte contemporânea.

Drawning no Restraint 9, um dos últimos trabalhos de Matthew Barney, foi gravado na baía de Nagasaki, a bordo do navio japonês Nisshi Maru. Barney conta como peça chave uma escultura de vaselina que, simboliza a potencialidade de um rompimento ab-rupto com a intransponibilidade que submete e que encerra a coisa dentro de sua própria forma.
A idéia principal consiste em mostrar o conflito, isto é, o jogo de forças entre a criatividade e a resistência, a ação resistida entre o artista e a matéria prima na qual fará a sua obra, ou a potencialidade que a mesma só revela quando lhe é aplicada força. Força esta que é necessária quando não imprescindível ao artista.

As trilhas sonoras que foram compostas na e para a voz de Bjork, juntas simbolizam, caracterizam e apontam o processo de transformação que, a escultura de vaselina chamada ‘’The Field’’ (literalmente o ‘’campo’’) sofre.

A escultura, ou melhor, o processo que a mesma sofre, constitui por sua vez, analogamente, a hipertrofia movida pela própria tentativa de superação que, virá na superação do corpo que é o palco onde essas vicissitudes ocorrem.

Encontrar-se-á no filme uma passagem que revela que, dentro dessa mesma escultura aparentemente uniforme, linear, maciça, há de se ver oculta a forma embrionária da baleia. A representação desse embrião dá-se em relação com a mathêsis primordial que, em virtude de si mesma é capaz de renascer, de realizar uma transformação física e que, sobretudo, é dotada com a possibilidade de assumir uma nova configuração funcional e física.

Jairo Ramon de Lima Silva
(Graduando em filosofia e bolsista de extensão da UFRN)

2ª Sessão - Matthew Barney sem restrições

2010-04-19T12:43:00.000-07:00

Na próxima sexta, 23 de Abril, ás 15:00 hs., terá lugar a segunda sessão do ciclo de documentários dedicado às poéticas contemporâneas.
Exibiremos o documentário de Alison Chernick sobre a última obra de Matthew Barney (Matthew Barney: No restraint) e, a seguir, o filme do próprio Barney (Drawing restraint 9).

Auditório de Filosofia
CCHLA - UFRN
Sexta 23 de Abril
15:00 hs.

Apresentação do livro «A postulação da realidade»

2010-04-06T06:47:00.000-07:00

A próxima sexta feira 16 de Abril às 17:30 hs, no Auditorio de Filosofia (CCHLA), na UFRN, terá lugar a apresentação do livro de Eduardo Pellejero «A postulação da realidade: filosofia, literatura, política».

O evento contará com a participação do autor e dos professores Antônio Basílio Novaes Thomaz de Menezes e Márcio Venicio Barbosa.

Sexta feira, 16 de Abril, 17:30 hs.
Auditorio do Departamento de Filosofia
CCHLA - UFRN

Eduardo Pellejero - A Postulação da Realidade

2010-04-06T06:41:00.000-07:00

Num estudo de 1955 dedicado ao pensamento de Hegel (e de Kojéve), George Bataille afirmava que o que distingue o homem do animal é a ficção, tecida na distância que nos separa do real, da necessidade, e da morte. Sobre esse singular plano expressivo somos capazes de afirmar o que não é, tal como é, e construir, para além das exclusões que definem o que se apresenta como verdadeiro para uma época dada, a trama de outros mundos possíveis.

Levantar sobre esse vazio (sobre esse excesso) formas que testemunhem e comprometam a sorte de um jogo diferente, seguindo linhas genericamente filosóficas, literárias e políticas, é o modesto propósito dos pensadores, dos escritores e dos homens que convoca o presente volume.

Os ensaios que o compõem têm em comum a postulação de uma realidade mais complexa (mais rica) que a que referem ou cunham no conceito. O sacrifício ritual do texto, nesse sentido, impõe-se como um suplemento incontornável da sua leitura.

Não há nisso nenhuma resignação, nenhuma impostura. Um livro morre com o tempo, mas a morte do livro é o devir da escrita.

Fora de programa

2010-04-05T07:22:00.001-07:00

Estamos programando duas semanas especiais dedicadas à projeção de documentários sobre a danza contemporânea (a primeira), e sobre a arte brasileira (a segunda). A programação das mesmas será feita coletivamente, pelo que ficamos à espera de propostas (que podem enviar para: osfazedores2010@gmail.com).

Programação 2010

2010-04-05T07:15:00.001-07:00

12 de Março de 2010
Fernando Lopes, Pina Bauch: Lissabon Wuppertal Lisboa (35’) + Rui Simões, Se Podes Olhar Vê Se Podes Ver Repara (40’)

23 de Abril de 2010
Alison Chernick, Matthew Barney: No restraint (71’) + Matthew Barney, Drawing restraint (144’)

28 de Maio de 2010
Henri-Georges Clouzot, Le Mystère Picasso (64’)

25 de Junho de 2010
Martin Scorsese, No Direction Home: Bob Dylan (212’)

9 de Julho de 2010
Jean-Luc Godard, Simpathy for the devil (97’)

27 de Agosto de 2010
Henry Chalfant & Tony Silver, Style Wars (69’)

24 de Setembro de 2010
Giuseppe Bertolucci, Pasolini prossimo nostro (58’) + Win Wenders, Room 666 (43’)

29 de Outubro de 2010
Richard LaGravenese & Ted Demme, Cinema Americano nos anos 70: Uma Década em Revolução (108’)

26 de Novembro de 2010
Zizek, The Perverts Guide To Cinema (141’)

10 de Dezembro de 2010
John Dullaghan, Bukowski: Born into this (114’)

Em Abril: Matthew Barney

2010-03-15T15:33:00.000-07:00

Na segunda sessão do ciclo de documentários, apresentaremos o filme de Alison Chernick sobre a última obra de Matthew Barney (No restraint), seguido da exibição da própria obra (Drawing restraint 9). O encontro terá lugar no dia 23 de abril, no auditório do departamento de filosofia, à mesma hora (15:00). Fica aqui o trailer do documentário e os links para a pagina do projeto de Barney.

http://www.matthewbarneynorestraint.com/
http://www.drawingrestraint.net/

Pina Bausch: «O que me interessa não é como as pessoas se movem, mas sim o que as move»

2010-03-10T07:39:00.000-08:00

Philippine Bausch nasceu na Alemanha no dia 27 de julho em 1940, praticou ballet ainda na infância, quando completou quinze anos foi estudar na escola de dança Folkwangen na cidade de Essen. Em 1968, Pina Bausch estreou como coreógrafa ao dirigir a peça ‘’Fragment’’, pouco depois assume a função de diretora artística e de coreógrafa da mesma companhia que dirigiu a peça.

Anos depois, Pina Bausch assume a companhia de dança do teatro Wuppertal se tornando alvo de duras críticas, em virtude do caráter inovador e chocante que está contido em suas coreografias. Pina Bausch rompe com os padrões estéticos que até então haviam dominado a dança clássica e que constituíam a dança de forma basilar, adicionando, se propagando, e se perpetuando como um sistema de regras estéticos que permitiam avaliar uma coreografia como boa ou ruim, acima de tudo, a dança clássica, ou melhor, a maneira clássica de compor a dança, não e só uma fórmula a ser seguida à risca, mas todo um sistema de regras que limita, determina e submete a qualidade de uma obra, que a julga e a categoriza, que a dita o que é apreciável ou depreciável, o que é digno de admiração ou o que é digno de recusa, ao que é propriamente belo e o que não é.

A expressão coreográfica da dança de Pina Bausch rompe com a dança clássica, na medida em que já não é necessário obedecer a um serie de critérios que categorizam, descriminam e avaliam uma determinada expressão artística como verossímil manifestação artística, verdadeira e incontestável, capazes de caracterizar uma obra como tal.

As coreografias que Pina Bausch desenvolveu, ou melhor, a sua arte propriamente dita, forma um ponto de ruptura, um ponto de corte, entre a arte clássica e a arte pessoal, destituída de uma pretensão clássica e de um compromisso com o ‘’perfeito’’. A obra de Pina Bausch representa não só uma ruptura com a arte clássica, mas sim uma quebra de valores e uma nova maneira de se fazer arte, torná-la mais humana, desvinculá-la de um plano impessoal e pré-concebido e deslocá-la para um âmbito ao alcance das pessoas, fazendo com que a própria vida, o cotidiano, os acontecimentos, os sentimentos, enfim, o que concerne ao homem sensações e emoções inexprimíveis, se manifestem e se misturem em forma de dança ou seria o contrário? Ou a vida ou a própria emoção juntamente com a dança se tornaram tão próximas que na obra de Pina Bausch já não se pode discernir uma da outra? Será a própria vida como uma manifestação de si mesma, transubstanciada nos palcos sobre a forma de uma dança, ou teria a dança se tornado tão profunda a ponto de se configurar e desvelar o aspecto mais concernente a própria vida?

Jairo Ramon de Lima Silva

Sessão Dupla

2010-03-05T12:24:00.000-08:00

Sexta feira, 12 de Março de 2010
Auditório de Filosofia (CCHLA)
15:00 hs

Pina Bausch: Lissabon
Wuppertal Lisboa
de Fernando Lopes

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Se Podes Olhar Vê Se Podes Ver Repara
de Rui Simões